Команда Leymon-epoxy June 29, 2023
Что такое элементы искусства и как эти элементы искусства используются художниками? Очень важно иметь прочную основу, с которой можно расширяться, чтобы полностью понять любую дисциплину, и овладение семью элементами искусства имеет решающее значение для визуальных художников. Этими художественными элементами являются текстура, форма, пространство, форма, значение, линия и цвет. Ниже давайте рассмотрим каждый из этих элементов более подробно.
Что такое элементы искусства?
Эти художественные строительные блоки являются фундаментальными, и понимание того, как они функционируют, имеет решающее значение как для художников, так и для любителей искусства. Проще исследовать, анализировать и создавать любые произведения искусства, от фотографии и живописи до архитектуры и скульптуры, получая более глубокое понимание семи элементов искусства. Многие из этих элементов фактически преподаются студентам в рамках их базового художественного образования. Тем не менее, хотя на первый взгляд идеи могут показаться базовыми, если их довести до совершенства, они могут расширяться и развиваться во всех направлениях, независимо от вида создаваемого искусства.
Интерьер с портретами Томаса ле Клира (ок. 1865 г.); Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Элементы искусства — это осязаемые визуальные компоненты, которые функционируют в унисон с принципами искусства, чтобы упорядочить и объединить их.
Линия
Одним из самых важных и универсальных элементов искусства является линия. Он служит визуальной основой для всех других элементов произведения искусства. Было бы трудно очертить какой-либо тип формы или формы без использования линии. Линия важна, потому что она может представлять ряд чувств и настроений. Грубая линия передает ярость или агрессию, тогда как плавная, плавная линия передает спокойствие или элегантность. Художники используют несколько видов линий для достижения различных эффектов в своих работах. Например, толстая, сильная линия может передать ощущение тяжести или прочности, тогда как тонкая линия может передать впечатление деликатности или хрупкости. Художники могут добиться видимости объема, используя линии для очерчивания объектов.
«Ткач» Эрнеста Билера (1949); Эрнест Билер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Линии также могут использоваться для представления движения или направления в картине, направляя взгляд зрителя через нее. Линия в произведениях искусства может быть использована в этом методе для создания ощущения гармонии и равновесия в произведении искусства. Линия необходима, так как она может передать индивидуальность и стиль художника. Каждый художник использует линии по-разному для создания своего искусства. Некоторые художники используют свободные, выразительные линии, чтобы передать текучесть и свободу, в то время как другие используют точные, точные линии, чтобы передать дисциплину и утонченность. Мы можем узнать о творческом процессе художника и концепциях, которые он хочет изобразить, проанализировав, как он использует линии.
Есть несколько методов, которые художники могут применять, когда дело доходит до использования линий. Рисование контурных линий — это простой метод, который включает в себя наброски контура объекта или человека с использованием непрерывной одной линии. Этот подход может быть использован для создания чрезвычайно подробных, реалистичных рисунков, а также более стилизованных, эмоциональных композиций. Перекрестная штриховка — это еще один метод, который включает в себя рисование последовательности параллельных линий, которые накладываются друг на друга для получения оттенка и текстуры. Этот метод может быть использован для обеспечения различных эффектов, начиная от тонких колебаний тона и заканчивая резкими, яркими контрастами.
«Туалет» Эдуарда Мане (1878); Эдуард Мане, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Цвет
Цвет является неотъемлемым элементом искусства, который выполняет важную функцию в производстве изобразительного искусства. Это мощный инструмент, используемый художниками для выражения эмоций, создания настроения и создания ощущения гармонии или диссонанса в произведении искусства. Цвет важен из-за его способности вызывать эмоции и влиять на впечатление зрителя о произведении искусства.
«Приношение» Сатурнино Эррана (1913); Museo Nacional de Arte, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художники могут вызывать широкий спектр эмоций, экспериментируя с ценностью и интенсивностью - тремя строительными элементами цвета. Ничто так не меняет эмоциональный резонанс произведения искусства, как цвет. Цвет умело обрабатывался в работах таких мастеров, как Моне, Ван Гог и Тулуз-Лотрек, чтобы вызвать определенные эмоции.
Цвет может быть использован для представления чего-либо или для создания узора. Он может быть выбран для контраста или для передачи определенного настроения. Глубокое понимание теории цвета позволяет художнику более широко использовать цвета, имеющиеся в его распоряжении. Цветовой круг — фантастический инструмент. Он предназначен для демонстрации того, как организованы цвета и как они взаимодействуют друг с другом. Три основных цвета расположены в центре цветового круга, в то время как второстепенные цвета — два основных цвета смешаны — расположены на внешнем круге.
Цветовой круг; Стоковое изображение
Самый край круга содержит третичные цвета, которые представляют собой комбинацию основных цветов и соседнего вторичного цвета. Цвет используется, среди прочего, в искусстве для создания баланса, контраста и акцента. Дополнительные оттенки, такие как зеленый и красный или оранжевый и синий, могут, например, использоваться для создания напряжения и интенсивности в произведении искусства. Зеленый, синий и фиолетовый являются примерами аналогичных оттенков, которые можно использовать для создания ощущения спокойствия и единства.
Цвет можно дополнительно использовать для придания композиции ощущения глубины и пространства. Художники могут создать впечатление расстояния и размера, используя теплые цвета в передней части композиции и холодные оттенки на заднем плане, такие как зеленый и синий.
Форма
Фигуры двумерны, плоские и имеют только высоту и ширину в результате замкнутых линий. Геометрические формы, такие как квадраты и круги, являются математическими и точными, но органические формы находятся под влиянием природы и являются изогнутыми и абстрактными. Коллаж Анри Матисса широко использует органические формы, в то время как работы Пита Мондриана известны своим акцентом на геометрические узоры. Формы могут влиять на то, как мы рассматриваем композицию. Треугольники, например, могут помочь сфокусировать взгляд на определенном месте, но круги символизируют непрерывность. Художники могут создавать замысловатые узоры и фигуры с ощущением объема и глубины, комбинируя формы.
«Площадь Италии» Джорджо де Кирико (1952);
Например, круг и треугольник могут быть соединены, образуя структуру цилиндра. Форма также жизненно важна в развитии натуралистического и абстрактного искусства. Квадраты, круги и треугольники обычно связаны со структурой, стабильностью и балансом. Напротив, органические формы обычно ассоциируются с движением, природой и свободой. Пространство внутри композиции также может быть определено формой. Позитивные формы в композиции — это объекты или фигуры, тогда как отрицательные формы — это окружающие их пространства.
Можно создать гармонию и равновесие внутри картины, тщательно уравновешивая отрицательные и позитивные формы. Чтобы дать ощущение глубины, одним из распространенных методов является использование ценности. Ощущение пространства может быть создано внутри композиции, используя более темные значения спереди и более яркие значения на заднем плане. Текстура также может быть использована для придания эстетического интереса и сложности форме. Можно создать тактильное качество, которое притягивает взгляд зрителя, изменяя текстуру внутри формы. Форма важна из-за ее способности создавать форму, передавать смысл и разграничивать пространство в композиции.
Форма
Значение, форма и текстура объединяются, чтобы создать форму, которая может быть как репрезентативной, так и абстрактной. Форма используется в искусстве, чтобы дать ощущение натурализма или абстракции, среди прочего. Форма используется в репрезентативной живописи, чтобы создать видимость трехмерного пространства и передать впечатление реализма. Можно создать ощущение глубины и размерности, применяя такие методы, как затенение, делая объект или человека более живым. Форма используется в абстрактном искусстве более субъективным образом, обычно для передачи настроения или эмоций. Форма может быть использована художниками-абстракционистами для создания сложных, многослойных картин, которые создают ощущение чуда или двусмысленности.
«Лаокоон» Эль Греко (между 1610 и 1614 годами); Эль Греко, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художники-абстракционисты могут создавать работы, которые бросают вызов восприятию зрителя и вдохновляют его исследовать произведение искусства на более глубоком уровне, искажая форму. Художники могут создавать ощущение движения или потока, которое перемещает внимание зрителя вокруг произведения искусства, изменяя форму, размер и расположение вещей или людей. Кьяроскуро, или использование света и тени для придания ощущения глубины и объема, является важной техникой, используемой художниками для создания формы.
«Художник и модель» Феликса Нуссбаума (1938); Феликс Нуссбаум, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Можно создать объем и глубину в картине, используя более темные значения в тех частях человека или объекта, которые находятся в тени, и более яркие значения в областях, которые находятся на свету. Некоторые из наиболее типичных форм включают пирамиды, цилиндры и сферы, однако они также могут быть аморфными. Форма имеет решающее значение в скульптуре, но ее также можно просто интегрировать в эскизы и живопись с использованием 3D-техник. Бернини был виртуозом формы, создавая свои скульптуры таким образом, чтобы ими можно было наслаждаться со всех сторон.
Форма также является важным аспектом в архитектуре, и известные архитекторы, такие как Заха Хадид, Фрэнк Ллойд-Райт и Тадао Андо, серьезно задумываются над этим элементом в своих проектах.
Ценность
Значение цвета относится к яркости и темноте цвета. Контраст характеризуется различием между самыми светлыми и самыми темными значениями, при этом белый является самым светлым, а черный - самым темным. Игра с ценностями может изменить не только конкретные формы, но и атмосферу произведения искусства. Ценность настолько значительна, что итальянцы придумали термин «кьяроскуро», который относится к сопоставлению света и тьмы в произведении искусства. Караваджо был известным практиком светотени в своих мрачных картинах маслом.
«Обращение по дороге в Дамаск» Караваджо (1600); Караваджо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Фотограф Ансель Адамс — еще одна иллюстрация художника, который успешно использовал ценность в своих интересах в своей пейзажной фотографии, используя зоны контраста, чтобы сделать свои работы более интересными для просмотра. Сфумато, или смешение значений для создания мягкого, туманного вида, является еще одним примечательным приемом.
Художники могут даже создать ощущение атмосферы внутри произведения, смешивая ценности вместе. Ценность также может быть использована для передачи движения и ориентации внутри произведения, создавая поток, который перемещает внимание зрителя по произведению искусства, используя ценность для создания градиента от светлого к темному. Значение может быть дополнительно применено для добавления контраста к дизайну. В их работах можно создать ощущение напряжения и визуальной интриги, создав большой контраст между светлыми и темными ценностями.
Напротив, низкая контрастность может помочь создать более тихое и спокойное ощущение на изображении. Картина Рембрандта ван Рейна «Ночной дозор» (1642) является примером произведения искусства, которое эффективно использует ценность. Рембрандт использовал драматический контраст темных и светлых ценностей в этом произведении, чтобы передать ощущение драмы и движения. Произведение искусства изображает группу солдат и их лидера, стоящих на страже ночью, с капитаном посередине, освещенным мощным источником света, и другими фигурами и фоном в темноте.
«Ночной дозор» Рембрандта ван Рейна (1642); Рембрандт, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Текстура
Текстура является одним из элементов искусства, который также обращается к нашим тактильным ощущениям. Он описывается как представление того, как что-то чувствует или кажется, что чувствует. Иногда мы говорим об осязаемой текстуре, как в случае с исландской художницей Храфнхильдур Арнардоттир, которая делает инсталляции из синтетических волос. В других случаях текстура представляет собой предполагаемую двумерную визуальную текстуру. Шероховатые, гладкие, твердые, мягкие, пушистые, пушистые и неровные — вот лишь несколько примеров текстур, вызывающих различные реакции. Например, гиперреалистичный художник может предпочесть, чтобы облака казались пушистыми, но художник-сюрреалист может экспериментировать с текстурой, чтобы обеспечить сюрреалистический опыт для аудитории.
Антонио Канова, скульптор 19-го века, был превосходен в этом, о чем свидетельствует его изображение сестры Наполеона, которая сидит на подушке, которая кажется настолько мягкой, что трудно поверить, что она на самом деле вырезана из мрамора. Можно придать вид различным материалам или поверхностям, используя разные текстуры на разных частях произведения искусства. Это может придать произведению искусства более живой и трехмерный вид. Вы можете создать ощущение разнообразия и сложности внутри произведения искусства, используя различные текстуры, делая его более визуально привлекательным для аудитории.
«Венера Победицы» (Полина Бонапарт) Антонио Канова (между 1804 и 1808 годами); Антонио Канова, CC0, через Wikimedia Commons
Текстура может быть дополнительно использована для придания движения изображению, привлекая внимание к частям с более отчетливыми текстурами. Художники также могут создавать атмосферу напряжения или тревоги в своих работах, выбирая абразивные и зубчатые текстуры. Вы можете добиться ощущения безмятежности или спокойствия, выбрав шелковистые, струящиеся или мягкие текстуры. Impasto — это метод модификации текстуры, используемый художниками, который включает в себя густое нанесение краски и создание видимых мазков. Этот метод может дать вам высокотекстурированную поверхность, эстетически привлекательную и интригующую.
Сграффито — еще одна важная техника, которая включает в себя соскабливание верхней части краски, чтобы обнажить слои под ней. Этот метод может привести к высокотекстурированной поверхности, которая является эстетически и тактильно привлекательной.
Пространство
Визуальная область или атмосфера, создаваемая произведением искусства, называется пространством в искусстве. Это один из наиболее важных аспектов, используемых художниками для создания мощных работ. Это может относиться как к пространству внутри объекта, так и к пространству между объектами. Это также может относиться к пустому пространству в произведении искусства, в котором отсутствуют предметы или вещи. В результате пространство в искусстве в первую очередь определяется связью между объектами и субъектами. Зрители могут извлечь важную информацию об искусстве и обстановке из пространства в искусстве. Это основано на взаимодействии между субъектами и вещами. Линия, цвет и пространство используются художниками для создания ощущения глубины, размерности и перспективы.
Интерьер готической церкви Питера Нифса Старшего (1636 г.); Питер Нифс Старший, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художник может подчеркнуть определенную тему и установить фокус в искусстве, используя пространство. Используйте пространство, чтобы привлечь внимание зрителя и создать ощущение ритма в произведении искусства. Художники могут влиять на пространство, вызывая целый ряд эмоций, от гармонии до ощущений страха или напряжения. Например, несколько вещей, расположенных близко друг к другу, могут вызывать ощущение дискомфорта, но это также обеспечивает гармонию и сплоченность между этими объектами. Объекты, расположенные на более равном расстоянии, могут дать ощущение равновесия.
Дом в центре «Белой ночи» (1901) Эдварда Мунка притягивает взгляд, в то время как окружающие, скученные перекрывающиеся деревья делают дом защищенным. Напротив, Мунк предоставил больше пространства между компонентами мрачной сельской местности на расстоянии. Это передает величие сельской местности, уединенность дома и границу между безопасностью и неизвестным наблюдателю. Композиция — один из наиболее распространенных способов, с помощью которых художники создают видимость пространства в своих работах. Художники могут направлять взгляд зрителя на определенные аспекты произведения искусства и придавать ему глубину и дистанцию, располагая объекты, людей или другие компоненты в кадре определенным образом.
«Белая ночь» Эдварда Мунка (1900 – 1901);
Семь элементов искусства обычно считаются строительными элементами композиции. Когда мы анализируем картину, рисунок, скульптуру или дизайн, мы смотрим на составные части и на то, как они работают вместе, чтобы произвести общее впечатление от произведения искусства. Каждый из аспектов также может быть использован отдельно, чтобы подчеркнуть определенную характеристику в произведении искусства. Различные элементы могут изображать такие аспекты, как движение и ритм, пространство и измерение, гармония и контраст, громкость и спокойствие, а также широкий спектр эмоций, встречающихся в великом искусстве.
Часто задаваемые вопросы
Каковы элементы искусства в дизайне?
Элементы искусства похожи на атомы в том, что они оба действуют как строительные блоки для производства чего-либо. Элементы подобны атомам, которые объединяются, чтобы создать нечто еще более сложное. То же самое относится и к элементам искусства. Художники используют эти семь элементов искусства, сочетая их с принципами дизайна для создания произведения искусства. Хотя не каждое произведение искусства имеет все эти компоненты, по крайней мере, пара всегда присутствует. Скульптор, например, должен иметь как пространство, так и форму в скульптуре по умолчанию, поскольку обе функции трехмерны. Они также могут быть использованы в двухмерных работах, используя перспективу и затенение.
Почему важны элементы искусства?
Каждый элемент имеет определенную цель в создании хорошего произведения искусства, и признание этих элементов имеет решающее значение как для художников, так и для зрителей. Семь элементов искусства создают основу для художников для создания и оценки своих работ. Художники могут создавать эстетически интригующие, сбалансированные и увлекательные картины, научившись успешно использовать каждый элемент. Например, цвет, значение и текстура могут быть использованы художником для создания трехмерного ощущения пространства внутри холста. Овладение семью элементами искусства может помочь людям более эффективно наслаждаться искусством и оценивать его. Зрители могут лучше понять, как создавалось произведение искусства и какой эффект оно должно оказать, понимая роль каждого элемента в нем. Кроме того, эти элементы искусства считаются универсальными, что означает, что они применимы ко всем видам изобразительного искусства, от скульптуры и живописи до графического дизайна и фотографии. Это делает их важным инструментом для художников, работающих в любых средствах массовой информации, а также для преподавателей искусства, преподающих основы изобразительного искусства.