Команда Leymon-epoxy June 29, 2023
Каковы принципы дизайна в искусстве и как эти принципы искусства применяются? В теории искусства говорят об элементах искусства и принципах дизайна. В этой статье мы сосредоточимся на семи принципах искусства: движении, пропорции, контрасте, узоре, разнообразии, балансе и акценте.
Каковы принципы дизайна в искусстве и как они используются?
Чтобы получить более четкое представление о семи принципах искусства, нам сначала нужно обсудить разницу между элементами искусства и принципами дизайна. Элементы искусства можно рассматривать как строительные блоки произведения искусства, такие как линия, цвет, форма и ценность. Принципы искусства - это способы, которыми мы применяем эти элементы в наших работах, и методы, которые мы используем для достижения эстетически приятного результата.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи (1498); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя не все принципы обязательно будут применяться к каждому произведению искусства, обычно это хороший баланс всех принципов, который приводит к выдающемуся произведению искусства, потому что все они работают друг с другом и полагаются друг на друга. Например, использование контраста может привести к акценту на определенных элементах, что приводит к общему балансу.
| Принцип | Определение |
| Равновесие | Равновесие в искусстве достигается, когда визуальный вес различных элементов распределяется равномерно по всей композиции. |
| Движение | Движение достигается в искусстве за счет использования элементов таким образом, чтобы глаз перемещался по холсту. |
| Контраст | Контраст в искусстве может быть достигнут путем размещения контрастных элементов рядом друг с другом, таких как дополнительные цвета, чтобы оба выделялись. |
| Рисунок | Узоры можно создавать, повторяя определенные элементы, добавляя изделию дополнительный интерес и движение. |
| Разнообразие | Разнообразие можно добавить к произведениям искусства, разместив множество отдельных элементов рядом. |
| Ударение | Акцентирование внимания на определенных аспектах может выделить их в ваших работах с помощью освещения или контраста. |
| Пропорция | Делая определенные элементы больше, чем другие, мы можем использовать пропорции, чтобы выделить определенные аспекты произведения искусства. |
Равновесие
Баланс, как принцип проектирования, относится к расположению элементов в конкретном дизайне. Какое бы изображение мы ни наблюдали, наши глаза автоматически ищут порядок и ощущение стабильности. Это также психологическая основа того, почему людей больше привлекают симметричные черты и объекты. Наблюдаемый вес конкретной конструктивной особенности называется визуальным весом. Можно изменить цвет, размер, форму и текстуру элемента, чтобы контролировать визуальный вес.
Направление, в котором движется отдельный элемент, называется визуальным направлением. Можно изменить структурный каркас или положение частей, чтобы изменить визуальное направление. Игра с визуальным направлением и визуальным весом позволяет экспериментировать с различными видами баланса дизайна. Сбалансированный дизайн визуально приятен. Сбалансированные дизайны создают четкий фокус на изображении, который может оказаться ценным для более эффективной передачи сообщения произведения.
Принцип баланса можно найти в античном и раннем стилях искусства. Тем не менее, именно художники, работавшие на протяжении всей эпохи Возрождения, помогли формализовать концепцию и ввести ее в общее пользование. Леонардо да Винчи, например, хорошо известен во всем мире своим кропотливым вниманием к балансу в таких работах, как «Тайная вечеря» (1490) и «Витрувианский человек» (1490). Марк Витрувий Поллион считал, что храм должен быть пропорционален подобно человеческому телу.
Иллюстрация из книги «Архитектура: или искусство bien bastir» Витрувия Поллиона (1547 г.); Библиотека Хоутона, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Витрувий заявил это, потому что чувствовал, что человеческое телосложение имеет идеальные пропорции. Это то, что вдохновило Да Винчи на создание живописи. Индивидуум на изображении идеально уравновешен и симметричен. Каждая сторона пропорциональна и уравновешена по отношению к другой. Да Винчи использовал симметричный баланс, что означает, что если вы проведете линию через центр, каждая сторона будет такой же или очень похожей на другую.
Движение
Движение относится к направлению внимания зрителя по определенному пути в композиции. Когда человек смотрит на дизайн, его взгляд притягивается к фокусным точкам. Дизайнеры могут просто направлять наблюдателя по дизайну, тщательно располагая эти фокусные точки. В дизайне движение может быть использовано увлекательными способами, такими как расположение предмета, чтобы подразумевать, как другие внешние воздействия могут заставить его двигаться. Кроме того, одно и то же положение субъекта может указывать на то, как эти факторы повлияли на его движение до достижения этого положения.
Вы можете включить движение в свою композицию, используя несколько функций. Эти функции направляют наблюдателя к предполагаемым элементам дизайна. Вы также можете использовать ритм, чтобы создать ощущение движения в ваших работах. Ритм образуется, когда элемент повторяется на различных расстояниях. Когда один и тот же элемент происходит через равные промежутки времени, зрители знают, чего ожидать дальше. Статичные конструкции становятся динамичными благодаря движению. Это то, что удерживает ваших зрителей от потери в вашей композиции.
Резкие и агрессивные штрихи в картине Клода Моне «Рыбацкие лодки на побережье в Этрета» (1884) соответствуют характеру воды. Размашистые мазки представляют приливы и отливы воды, в то время как плотные мазки серого и белого цветов изображают белую воду. В картине Хоакина Сорольи «Пляж Валенсии при утреннем свете » (1908) вы можете практически почувствовать ветер в парусах лодки и женской одежде, в то время как густая краска и мощные мазки, определяющие волны, привлекают ваше внимание к произведению искусства.
«Пляж Валенсии при утреннем свете» Хоакина Сорольи (1908); Хоакин Соролья, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ломаный цвет — это техника рисования, которая включает в себя использование небольших мазков характерного оттенка. Он отлично подходит для передачи движения, потому что ваши глаза имеют тенденцию прыгать между разными цветами. Следуя общему потоку, вы также можете смешать сломанный цвет с наводящей на размышления мазком. Хоакин Соролья добился именно этого в своей работе «На скалах в Хавее» (1905); Можно наблюдать множество зеленых, синих, белых, желтых и фиолетовых тонов, а также то, как его манера письма следует за движением реки. Кроме того, когда цвета накладываются друг на друга, камни в тени начинают смешиваться с мелководьем.
Контраст
Как один из принципов искусства, контраст представляет собой изображение отдельных элементов композиции двумя противоположными способами. Когда вы используете черный шрифт на белом фоне, у вас есть контраст. Огромный размер шрифта заголовков ваших статей контрастирует с меньшим типом основного материала. С дизайном вы даже можете почувствовать контраст между различными формами. Контраст используется дизайнерами, чтобы привлечь внимание к определенным аспектам дизайна.
Чтобы установить контраст в дизайне или произведении искусства, дизайнер или художник должен оценить всю композицию и взаимосвязи различных компонентов, а не просто смотреть на каждую часть композиции по отдельности. Прекрасным примером является «Искусство живописи» Иоганна Вермеера (1666 – 1668), где модель художника купается в свете, контрастирующем с темным занавесом, который частично скрывает ее от глаз зрителя.
«Искусство живописи» («Художник в своей мастерской») Иоганна Вермеера (1666 – 1668); Йоханнес Вермеер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Маленький серый круг, например, сам по себе мало что передаст. Тем не менее, если вы поместите круг рядом с гораздо большим кругом, вы передадите сообщение о том, что большая сфера заслуживает вашего внимания перед меньшей. Это связано с тем, что элементы с более высоким визуальным весом требуют большего мгновенного внимания в любой композиции. Есть причина, по которой черно-белая живопись и фотография долгое время считались изобразительным искусством. Черно-белый контраст простой, но стильный. Есть несколько художников, которые могут научить вас большему тональному контрасту, чем Ансель Адамс, известный фотограф.
Если вы хотите добавить объема своей черно-белой работе с помощью тонального контраста, прочтите о зональном методе Анселя Адамса. Адамс создал систему зон, чтобы создать больше вариаций и деталей внутри черно-белого изображения, несмотря на отсутствие цвета. Зональный метод обеспечивает применение диапазона тонов между черным и белым.
Ярким примером работы Адамса, эффективно использующей его зональный метод, является «Тетоны и река Снейк» (1942) Большой и темный горный хребет, покрытый легким снегом, можно увидеть в верхней части кадра. На других участках небо затянуто тучами, но только частично облачно, и свет проникает, чтобы осветлить окружающую среду и отразиться от реки.
«Титоны и река Снейк» Анселя Адамса (1942); Ансель Адамс, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рисунок
Повторение, паттерн и ритм связаны, но разные. Паттерны могут иметь широкий спектр актуальности и функций в дизайне. Повторение фокусируется на дублировании одного и того же элемента; Шаблоны состоят из отдельных компонентов, которые затем воспроизводятся таким же образом по всему дизайну или художественному оформлению. Бесшовный паттерн — это тот, который проходит от начала до конца без расхождений: весь паттерн представляет собой непрерывную, последовательную структуру. Этот подход особенно важен при работе с дизайнами, которые имеют много текстуры, цвета или глубины. Ритм, в отличие от рисунка и повторения, гораздо сложнее. В отличие от двух других, которые требуют, чтобы одни и те же элементы воспроизводились одинаково по всему макету, ритм требует повторения ряда элементов дизайна в точном порядке.
Как следствие, отдельные компоненты конструкции не обязательно должны повторяться или быть неизменными в любое время; вместо этого их повторение адаптируется и развивается на протяжении всего дизайна. При правильном использовании узоров вы можете добавить жизни и глубины произведению искусства, привнести текстуру в дизайн и привлечь больше внимания. Паттерны, как и многие принципы дизайна в искусстве, могут оказать большое влияние на вашу целевую аудиторию, выражая индивидуальность, ценности бренда и предпочтения. Рассмотрим закономерности, которые вы видите на фоне веб-сайтов и приложений. Узоры привлекают внимание к определенному аспекту композиции.
«Поцелуй» Густава Климта (1907-8); Густав Климт, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Узор, нанесенный вокруг логотипа, который подчеркивает основные функции и цвета, может выделить логотип, передавая важное сообщение.
Хорошим примером использования узоров в искусстве являются работы Густава Климта, такие как, например, «Поцелуй» (1908). Густав Климт, известный своим богатым орнаментальным стилем и щедрым сусальным золотом, часто включал узоры в свои работы. Греческое, византийское и египетское искусство повлияло на темы. Поцелуй, например, полностью состоит из плоских областей с неровными узорами. Тело мужчины состоит из повторяющихся прямоугольников, а тело женщины состоит из кругов.
Разнообразие
Добавление разнообразия включает в себя разрушение монотонности дизайна. Это добавляет эстетической привлекательности и может сразу же предотвратить уныние и скучение вашего дизайна, включив в него вариации. С помощью нескольких простых настроек вы можете привлечь и очаровать свою аудиторию. Это добавляет образу эстетического азарта и динамичности. Имейте в виду, что использование слишком большого разнообразия в вашем дизайне может сделать его подавляющим и запутанным, что в конечном итоге может показаться неорганизованным и запутанным для широкой публики. Используйте изогнутые линии рядом с прямыми линиями, геометрические узоры в середине органических форм или яркие цвета напротив мрачных серых тонов, чтобы добавить разнообразия в свою работу.
Использование различных цветов, шрифтов, текстур и форм может помочь создать разнообразие. Но разнообразие само по себе бессмысленно. Разнообразие должно быть использовано с другими принципами искусства, чтобы получить более привлекательный и визуально привлекательный результат, который улучшает опыт наблюдателя. Разнообразие также является всеобъемлющим принципом в шрифтовом дизайне. Большое разнообразие широких и тонких, плоских и круглых или светлых и темных элементов в шрифте может придать простой строке шрифта элегантный и приятный ритм. Разнообразие шрифтов в одном дизайне может быть эффективным, а может иметь катастрофические последствия.
«Цветущий сад (сливовые деревья)» Винсента Ван Гога (1888); Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Винсент Ван Гог был известным художником, который преуспел во включении разнообразия в свои работы. Сопоставление различных элементов вызывает интерес благодаря использованию различных цветов, текстур, плавных и неровных линий. Ван Гог знал, как сделать эти отдельные элементы целостными, используя цветовые схемы и уменьшая формы и детали. Ван Гог использует дополнительные цвета зеленого и красного в травах в своей работе «Цветущий сад» (1888), чтобы обеспечить контраст и разнообразие. Тем не менее, из-за уменьшенной цветовой гаммы и использования только этих двух цветов и их расширенного диапазона, произведение искусства выглядит гармоничным.
Как видно из просмотра работ Ван Гога, использование нескольких цветов — один из самых простых способов добавить разнообразия в произведение искусства.
Ударение
Техника выделения одного аспекта известна как акцент. Дизайнер может расставить акценты, расположив компоненты на странице в естественных местах для рисования глаз и используя другие принципы, такие как рисунок, контраст или движение. Текст может быть выделен жирным шрифтом и курсивом. Акцент на изображении может быть обеспечен за счет визуального веса, размера, цвета, сложности и отличительности. Когда дело доходит до дизайна, заметный элемент должен занимать не менее двух третей общей визуальной композиции. Таким образом, остается одна треть области, доступной для копирования текста. Этот прием часто применяется на первых страницах журнальных статей. Читатели продолжат чтение, если макет привлечет их интерес доминирующей картинкой и вступительным текстом.
Фокус не обязательно должен находиться в центре изображения. Наиболее важный компонент изображения может быть размещен не по центру, сбоку и выше или ниже центральной линии, чтобы добавить интереса. Подчиненные — это дополнительные композиционные компоненты, которые были сокращены или сокращены, чтобы привлечь внимание к фокусу. Фокус может быть самым большим, самым четким, самым темным или самым сложным элементом изображения, или он может привлечь особое внимание по какой-то другой причине. Только одна составляющая должна конкурировать за основное внимание. Когда более чем одному элементу уделяется одинаковое внимание, акцент теряется.
«Роза в вазе Сассонии» Джованни Больдини (1906); Джованни Болдини, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В «Розе в вазе Сассонии» (1906) Джованни Больдини художник использовал густую краску и яркий цвет, чтобы привлечь внимание к цветам в вазе. Мы также видим, что фон представляет собой не что иное, как слабое пятно цвета. Дама, смотрящая на воду в картине Валентина Серова «Ифигения в Тавриде» (1893), прерывает сужающуюся линию, сделанную избивающейся береговой линией. Это нарушение линии передает мощное послание и подчеркивает статус женщины.
Присутствие людей и сравнительно яркие красные маки, которые выпрыгивают среди окружающих цветов синего и зеленого, подчеркивают передний план пейзажной картины Моне «Маки» (1873).
Пропорция
Пропорции — это один из семи принципов искусства, который относится к взаимосвязи нескольких компонентов в композиции и к тому, как они соотносятся друг с другом с точки зрения цвета, размера, степени, контекста и так далее. При объединении двух или более компонентов иллюстрации устанавливается соединение. Расположение считается гармоничным, когда компоненты находятся в идеальном пропорциональном соотношении друг с другом. Это относится к правильному размеру и расположению компонента, что приводит к оптимальной пропорции.
Пропорциональный дизайн создает симметрию, гармонию или равновесие между его компонентами. Пропорцию часто упускают из виду до тех пор, пока что-то не будет иметь неправильную пропорцию. Считается «непропорциональным», когда сравнительные размеры двух сравниваемых вещей выглядят неточными или неравномерными.
«Гора Рашмор» Гутзона Борглума (1927 – 1941); Шах Ронак С.
Например, если голова человека больше, чем все его тело, мы бы сказали, что они непропорциональны. Существует множество методов установления соответствующих пропорций, таких как группировка похожих элементов, которые сопоставимы или имеют общий признак. Поскольку равные элементы могут быстро стать утомительными и скучными, разделите дизайн на большие и меньшие области. Но расхождения в размерах не должны быть настолько большими, чтобы детали выглядели несвязанными и, как следствие, негармоничными. «Гора Рашмор» (1941) — прекрасная иллюстрация пропорций в искусстве. В то время как все головы в композиции скульптуры находятся в правильной пропорции друг к другу, масштаб скульптуры огромен по сравнению с наблюдателем.
На этом мы завершаем наш взгляд на семь принципов искусства. Все принципы дизайна в искусстве работают вместе и часто пересекаются по функциям. Например, контраст также может быть использован для создания акцента, а паттерны могут быть использованы для воздействия на восприятие движения. С лучшим пониманием семи принципов искусства ваши работы будут выглядеть более привлекательно, а ваши проекты будут более привлекательными!
Часто задаваемые вопросы
Каковы принципы дизайна в искусстве?
Принципами являются движение, пропорция, акцент, контраст, узор и разнообразие. Все эти принципы можно использовать, чтобы сделать ваши проекты и произведения искусства более интересными для просмотра. Они используются коммерческими дизайнерами, поскольку они, как известно, эффективно привлекают внимание к сообщению и продуктам в рекламе. Художники используют его по той же причине, чтобы привлечь внимание зрителя и увлекательно перемещать взгляд по изображению.
В чем разница между элементами искусства и принципами дизайна?
Хотя для создания произведений искусства используются как элементы, так и принципы искусства, они немного отличаются по форме и функциям. Элементы искусства подобны основным строительным блокам, из которых вы создаете свои работы, таким как цвет, линия, форма и так далее. Когда вы берете эти элементы, а затем используете различные техники, чтобы применить эти элементы интересными способами, вы используете для этого различные принципы искусства. Таким образом, вы можете взять элемент линии и повторить его, используя, например, принцип узора.